Démarche Artistique / Artistic Statement


Je suis une artiste multidisciplinaire travaillant le verre, la céramique, l’installation et la photographie. Je cherche des formes plastiques capables de tenir debout dans l’ambiguïté, entre le sacré et le banal, entre la densité et la légèreté. Ma pratique multidisciplinaire interroge l’objet : celui qu’on fabrique, qu’on habite, qu’on imagine. La poésie y agit comme un condiment, une résistance aux pressions de catégorisation, de production, de définition.

Mon travail prend racine dans une démarche expérimentale et collaborative, où se croisent artisanat, recherche matérielle et récit poétique. Je m’intéresse aux rituels sociaux, aux symboles synthétiques et artificiels, aux repères visuels que la culture populaire a vidés ou surchargés de sens. Mon univers navigue entre réflexions existentielles et humour, entre la mort et le smiley, entre le vertige de l’anthropocène et le fromage en poudre.

J’explore les tensions entre matière brute et imagerie kitsch, entre gestes archaïques et fabrication technologique. Je brûle des plantes pour en extraire des sels, je fais fondre du verre, j’expérimente des procédés anciens comme des outils contemporains. Je m’investis dans la compréhension des matériaux et des savoir-faire techniques, pour faire dialoguer les processus lents avec l’immédiateté des signes culturels.

Mon rapport à la matière est à la fois instinctif et réfléchi. Ce que je cherche, c’est un langage plastique qui assume les contradictions ,un terrain mouvant où cohabitent surface et profondeur. Il y a dans cette oscillation un désir d’habiter les zones grises que nous tentons en vain de définir sans succès. 




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I am a multidisciplinary artist working with glass, ceramics, installation, and photography. I seek plastic forms capable of standing upright in ambiguity, between the sacred and the mundane, between density and lightness. My multidisciplinary practice interrogates the object: the one we make, inhabit, and imagine. Poetry acts as a seasoning, a resistance to the pressures of categorization, production, and definition.

My work is rooted in an experimental and collaborative approach, where craftsmanship, material research, and poetic narrative intersect. I am interested in social rituals, synthetic and artificial symbols, and visual markers that popular culture has emptied or overloaded with meaning. My world navigates between existential reflections and humor, between death and the smiley face, between the vertigo of the Anthropocene and powdered cheese.

I explore the tensions between raw materials and kitsch imagery, between archaic gestures and technological fabrication. I burn plants to extract salts, I melt glass, I experiment with ancient processes and contemporary tools. I dedicate myself to understanding materials and technical know-how, to creating a dialogue between slow processes and the immediacy of cultural signs.

My relationship to matter is both instinctive and deliberate. What I seek is a visual language that embraces contradictions, a shifting terrain where surface and depth coexist. In this oscillation lies a desire to inhabit the gray areas that we try in vain to define.































BIO

Geneviève Grenier, artiste multidisciplinaire de Québec, travaille le verre, la céramique et la photographie. Basée à Montréal depuis quelques années, son travail navigue entre la beauté de l'abject, l'empreinte de rituels anxieux ainsi que la quête des origines, les processus de transformation. Passionnée par les structures sociétales, essayant de différentes manières de magnifier le viscéral à travers le poétique, son travail se compose de différents collages sculpturaux autour de la corporéité, de l'incarnation, de l'empire des sens, tous définis par son expérience poétique et politique des relations humaines. Ses œuvres fonctionnent comme des lexiques, des installations, des scénographies.

Elle mène des recherches sur la composition du verre, la recherche de silice et la fabrication de stabilisants et de fondants sur le territoire québécois. Cela l'amène à de nouveaux matériaux qui s'implantent dans son travail sculptural. Cette volonté de retour aux sources se transforme dans sa démarche artistique en une complexité stimulante et historiquement riche.
BIO 

Geneviève Grenier, a multidisciplinary artist from Quebec City, works with glass, ceramics and photography. Based in Montreal for a few years, her work navigates between the beauty of the abject, the imprint of anxious rituals as well as the quest for origins, the processes of transformation. Passionate about societal structures, trying in different ways to magnify the visceral through the poetic, her work consists of different sculptural collages around corporeality, incarnation, the empire of the senses, all defined by her poetic and political experience of human relationships. Her works function as lexicons, installations, scenography.

She is undergoing research on the composition of glass, the search for silica and the manufacture of stabilizers and fluxes in Quebec territory. This leads her to new materials that are implanted in her sculptural work. This desire to go back to basics is transformed into a stimulating and historically rich complexity in her artistic approach
   
     
  CV FRANCAIS                                                                                                                                                 CV ENGLISH
                                                                                       



BOB
Matériaux : Verre, cire et savon
Dimensions : environ 20 cm x 45 cm

L’objet présenté ici repose sur deux concepts complémentaires. Le premier établit un lien entre deux anciennes technologies : le verre et le savon. Deux matières issues de transformations élémentaires, mais dont les effets demeurent extraordinaires.La légende du verre raconte qu'un feu trop intense, alimenté par des blocs de natron mêlés au sable aurait donné naissance à une matière nouvelle, transparente. Un événement ordinaire devenait ainsi une avancée technique majeure.

Le savon, de son côté, ne possède pas de mythe fondateur aussi clair. Son origine est plus diffuse, plus pragmatique. Pourtant, le processus reste pour moi saisissant : comment une graisse, mélangée à des cendres, peut-elle devenir une substance capable d’effacer précisément ce qui la caractérise, le gras? Par l’ajout de soude ou de fondants, le sable devient transparent et la graisse devient non grasse. Une matière change d’état, presque de nature. 

La cire s’inscrit dans cette même logique de transformation. Chauffée, elle devient liquide, malléable, capable d’imprégner, de protéger, de sceller ou de produire de la lumière avant de redevenir solide. Elle oscille entre conservation et disparition. 

Cette suspension-lampe rend hommage à ces premières technologies presque invisibles tellement elles sont intégrées à notre quotidien, mais d’une puissance comparable aux innovations contemporaines. Nous les considérons aujourd’hui comme évidentes, alors qu’elles témoignent d’une intelligence technique fondamentale. Ils traduisent une intelligence matérielle ancienne où la technique émergeait d’une observation directe des propriétés physiques du monde.

Sous cette première démarche se déploie une seconde lecture.

La lampe est également pensée comme un Bug Out Bag (BOB) : un sac d’évacuation conçu pour permettre à une personne de survivre 72 heures en situation d’urgence. Cette volonté vient d’un profond questionnement de la pratique de l’art en temps de crise et vise à donner une fonction à la panique m’animant lorsque j’ai l'impression de faire des bricolages sous un orage fachiste. 

Le savon redevient outil d’hygiène, la cire source de lumière et matériau de conservation, le verre récipient ou bouteille, et la corde un outil de liaison, de suspension ou de survie. Chaque matériau oscille ainsi entre fonction symbolique et usage concret, entre sculpture et nécessité.

BOB est une mémoire technique et une anticipation de l’urgence. Il relie des transformations matérielles ancestrales à une réflexion contemporaine sur la survie et la responsabilité. En temps actuel, où nous perdons l’acquisition des savoirs par la facilité de trouver les comment et pourquoi via Google et Chat GPT, ce commentaire vise à activer une prise de position claire sur l’importance de se réapproprier nos moyens de survie. La double démarche vise aussi à amener la prise en charge de notre intelligence collective, et de cesser de déléguer nos capacités de réflexion à un système qui nous exploite. Si nous ne savons comment faire tous les objets que nous consommons, comment peut-on se considérer indépendant des forces d’aliénation qui nous entourent?
 

                  
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The object presented here is based on two complementary concepts. The first establishes a link between two ancient technologies: glass and soap. Two materials resulting from elemental transformations, yet whose effects remain extraordinary. The legend of glass recounts that an overly intense fire, fueled by blocks of natron mixed with sand, gave birth to a new, transparent material. An ordinary event thus became a major technological advancement.

Soap, on the other hand, does not possess such a clear founding myth. Its origin is more diffuse, more pragmatic. Yet, the process remains striking to me: how can a fat, mixed with ashes, become a substance capable of precisely erasing what characterizes it—grease? By adding soda or fluxes, the sand becomes transparent and the fat becomes non-greasy. A material changes state, almost its very nature.

Wax follows this same logic of transformation. When heated, it becomes liquid, malleable, capable of permeating, protecting, sealing, or producing light before solidifying again. It oscillates between preservation and disappearance.

This pendant lamp pays homage to these early technologies, almost invisible because they are so integrated into our daily lives, yet of a power comparable to contemporary innovations. We take them for granted today, while they bear witness to a fundamental technical ingenuity. They reflect an ancient material intelligence where technology emerged from direct observation of the physical properties of the world.

Beneath this initial interpretation lies a second layer of meaning.

The lamp is also conceived as a Bug Out Bag (BOB): an evacuation bag designed to allow a person to survive for 72 hours in an emergency. This intention stems from a profound questioning of the practice of art in times of crisis and aims to give function to the panic I feel when I have the impression of tinkering under a fascist storm.

Soap becomes a hygiene tool once more, wax a source of light and a material for preservation, glass a container or bottle, and rope a tool for connection, suspension, or survival. Each material thus oscillates between symbolic function and concrete use, between sculpture and necessity.

BOB is a technical memory and an anticipation of urgency. It connects ancestral material transformations to a contemporary reflection on survival and responsibility. In our current times, when we are losing the acquisition of knowledge due to the ease of finding the hows and whys via Google and GPT chat, this commentary aims to activate a clear stance on the importance of reclaiming our means of survival. This dual approach also aims to foster the development of our collective intelligence and to stop delegating our capacity for reflection to a system that exploits us. If we don't know how to make all the objects we consume, how can we consider ourselves independent of the alienating forces that surround us?

Naphte 
2026


In girum imus nocte et consumimur igni
« Nous tournons en rond dans la nuit et nous sommes dévorés par le feu »


Matériaux : verre, métal, huile à moteur.
Dimensions : Installation de 3 x 3 mètres



Quand on construit une maison on sait comment elle est faite, son squelette, sa charpente, sa finition. Parler du corps c’est parler de quelque chose qu’on ‘’connaît’’ dans lequel on ‘’habite’’ sans l’avoir construit. J’ai un sentiment étrange d’habiter quelque chose que je ne connais pas. L’existence est pour moi une découverte perpétuelle et je la négocie en société, avec les autres et dans cette œuvre.

Cette installation est composée de pièces soufflées monochromatiques installées au mur et au sol. Le tout est un assemblage de formes sombres semblant être animées de l’intérieur. Les formes suggèrent volontairement le corps que l’on habite dans une teinte pétrolière. Les gaz fossiles sont consituté d’organisme vivants putréfiés, ce liquide sacré composé d’organismes éteints forme la source de la palette de couleur dans ce travail  Le choix de cette couleur, le noir, veux représenter ce pétrole, ce sang noir, ce sont la faune et la flore putréfiée, liquéfiée, de millénaires anciens. Ce liquide est le témoignage de l’incroyable puissance de notre passé. D’un écosystème réduit en huile, que l’on consomme sans son caractère sacré, mais qui est constitué d’être vivants.  Les formes soufflées qui en surgissent y sont donc volontairement corollaires à des plantes, des animaux, des coquillages, des artefacts.

Mon installation rassemble relique et organe, opérant un retour à une brutalité existentielle où les matériaux suintent, se dégradent et se consument . La pièce centrale sur l’huile à moteur semble reprendre vie, désire retrouver sa forme originelle. Autour du désir, de l’image, du capital et du regard : comme le papillon attiré par sa propre lumière, je vois l’humanité se consumer dans ce qu’elle produit. Pour moi, exister est une expérience étrange et toujours nouvelle ; je n’ai pas construit le corps que j’habite, je n’ai pas choisi cette matière, et pourtant c’est par elle que je pense, que je désire et que je produis. L’incarnation devient ainsi le cœur de mon installation, non comme représentation du corps, mais comme mise en présence d’une condition : être pris dans une matière vivante, périssable et transformable, et reconnaître que toute culture, toute image, tout objet naît de cette étrangeté première d’être au monde.

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When you build a house, you know how it's made, its skeleton, its frame, its finish. To speak of the body is to speak of something we "know," something we "inhabit" without having built it. I have a strange feeling of inhabiting something I don't know. Existence is, for me, a perpetual discovery, and I negotiate it in society, with others, and in this work.

This installation is composed of monochromatic blown pieces installed on the wall and floor. The whole is an assemblage of dark forms that seem to be animated from within. The forms intentionally suggest the body we inhabit in a petroleum hue. Fossil gases are made up of putrefied living organisms; this sacred liquid, composed of extinct organisms, forms the source of the color palette in this work. The choice of this color, black, is meant to represent this petroleum, this black blood; it is the putrefied, liquefied fauna and flora of millennia past. This liquid is a testament to the incredible power of our past. It represents an ecosystem reduced to oil, consumed without its sacred character, yet composed of living beings. The blown forms that emerge from it are thus intentionally linked to plants, animals, shells, and artifacts.

My installation brings together relic and organ, enacting a return to an existential brutality where materials ooze, degrade, and consume themselves. The central piece, installed onto a bed of motor oil, seems to come back to life, yearning to reclaim its original form. Around desire, image, capital, and the gaze: like a moth drawn to its own light, I see humanity consumed by what it produces. For me, existence is a strange and ever-new experience; I did not build the body I inhabit, I did not choose this material, and yet it is through it that I think, desire, and produce. Incarnation thus becomes the heart of my installation, not as a representation of the body, but as the presentation of a condition: being caught in a living, perishable and transformable material, and recognizing that every culture, every image, every object is born from this initial strangeness of being in the world.

Corps référentiel

Le Corps Référentiel 

Est une exposition collective combinant les œuvres de Sophia Borowska, Geneviève Grenier alias Geneviève Feuillard, Diane Garcia Ramos, Sabrina Jolicoeur, Maggy Hamel-Metsos, Fatine Violette Sabiri, Noémie Sylvestre et Kathryn Frances Warner, parallèlement à une sélection de leurs collections et archives personnelles d’œuvres d’art.

Exposition collective ayant eu lieu du 11 mars 2021 au 20 mars 2022

Texte curatorial : Amélie Pelly

Poésie : Daria Malfait Colonna

Organisation : Kathryn Francis Warner & Sabrina Jolicoeur

Catalog link Catalogue en ligne

  






Reference Bodies 
Interpretation A 

by Amélie Pelly

Take a step away from your own body.
Try. Even for an instant.

Reference Bodies  taps into an expanded vision of what can constitute a body. Bodies—human and other—are ensembles which are reliant upon movement and time; they can accumulate and lose, affect and be affected, compose themselves and decompose.[1]

Inevitably, the artworks presented allude to their creator’s physicality by their material and tactile qualities—tattooed ceramics, physical imprints, the gestures of weaving and sewing are all testaments to artists’ proprioception. The artworks are attentive to and evocative of their maker’s unique cultures, geographies, genders and social situations. Yet, the anticipated centrality of the artists’ bodies is displaced within the context of this exhibition, as it proposes another corpus for our examination: the archival body.

Presented at various stages between its completion and eventual decomposition, the archival body amounts to more than an inspirational whole for the individual artists. Presented in unison, the assembled archive has the capacity to unearth what we are exposed to daily in the form of virtual likes and cookies, that is, e-visible communities of support. While some of these ensembles formed slowly, consciously, others were scattered and unacknowledged. It is an ensemble composed of overlapping friendships, of conceptual kinships, of direct and sinuous links, from one archival memento to another’s realities, to yet another world, or condition.
Having abstracted the corporeal, the archival body’s capacity to connect prevails; it reveals how we empathize, how we heal, how we grow and, potentially, change. It challenges the physical limits of beings by laying before us the intricate relations and communities which uphold them. It is the psychical, physical manifestations of a collective conscious – attentive to the ways pleasure and pains, knowledge and intuition permeate entire clusters of population. Whether they have gathered culturally, religiously or socially. Whether these communities have been chosen or imposed.
Bodies are both infinite sources of and vessels for our knowledge of the world. If we delve into its depths, slowly, we can at once define the reach of the physical world which we occupy and reclaim the ways in which bodies perceived. The immensity we find within appears, unbeknownst to us, in the traces of others which we accumulate. Psyches and flesh, pain and eroticism, intuition and intellect, are intrinsically bonded. We find our interiors gorged with mementos which compose the archives of our unconscious.

[1] Susan Kozel, “The Archival Body: Re-enactments, affective doubling and surrogacy,” in Essays from the New Human Symposium, Malmö, August 2016. https://medium.com/the-new-human/the-archival-body-re-enactments-affective-doubling-and-surrogacy-448815d62c07.
Le corps référentiel
Interprétation A 

par Amélie Pelly



Le Corps Référentiel adhère à une vision élargie de ce que peut constituer un corps. Les corps—humains ou autre—sont des ensembles dépendants du temps et du mouvement; ils peuvent accumuler ou perdre, affecter et être affectés, se composer et se décomposer.[1]

Les œuvres présentées évoquent le corps humain par leurs qualités matérielles et tactiles—des céramiques tatoués, des empreintes, des mouvements de tissage et de couture sont tous des témoignages à la proprioception des artistes. Ces œuvres sont d’autant plus révélatrices des cultures, des géographies, du genre et des contextes sociaux uniques à chaque corps qui les façonnent. Malgré cela, le physique de l’artiste, maintes fois examiné, n’est pas l’unique corps que cette exposition nous invite à considérer; pensons au corpus d’archives.

Le corpus d’archives représente bien plus qu’une simple source d’inspiration pour les artistes. Bien que quelques-unes des archives se soient formées lentement, consciemment, d’autres étaient éparpillées et inconnues à leurs propriétaires jusqu’au moment de les rassembler. Réunissant les archives de chaque artiste en une seule et nouvelle entité, l’assemblage a la capacité de rendre visible des communautés que nous imaginons plus fréquemment en termes de j’aimes et de swipes. C’est un amalgame formé d’amitiés entrecroisées, de liens de parentés rêvées, de rapports directs ou sinueux qui, sautant du souvenir d’un tel à la réalité d’un autre, nous connectent à d’autres mondes et d’autres conditions.

Ayant fait fit du corporel, la capacité rassembleuse du corpus d’archives fait surface, révélant les traces d’empathie, de guérison, de croissance et, aussi, notre volonté de changer. Cet autre type de corps étale sous nos yeux les communautés qui les soutiennent. Nous y trouvons une manifestation psychique et matérielle d’un subconscient collectif, bien à l’écoute des manières par laquelle la connaissance et l’intuition imprègnent des communautés entières. Qu’elles soient unies culturellement, religieusement ou socialement. Qu’elles soient des communautés imposées ou choisies.

Tout corps est à la fois une source de connaissance et un réceptacle pour notre compréhension du monde. Psyché et chair, plaisir et douleur, intuition et intellect y sont tous intrinsèquement liés. Si nous sondons leurs profondeurs infinies, nous pouvons à la fois définir les limites du monde physique que nous occupons, et s’approprier la manière par laquelle nous occupons ce corps. L’immensité vertigineuse que nous y trouvons se matérialise dans nos environnements par ce que nous accumulons. Et de fait, nos intérieurs sont meublés de ces artefacts qui composent le corpus d’archives de notre inconscient.






Démarche contextuelle

Tout semble vouloir se catégoriser, se situer dans quelque chose de reconnaissable. L’effort d’identification se transforme dans un stéréotypage du soi, qui nous permet « d’être » et de « fonctionner ». Je suis fascinée par la vulgarisation identitaire et ma pratique emprunte des mécanismes conscients et inconscients du phénomène. Par des véhicules culturels établis et la relation entretenue aux idées d’héritage et de patrimoine, l’esthétique transporte un contexte et une valeur ; l’on peut situer un narratif par la couleur, la forme et le bagage d’un élément.


L’oscillation personnelle entre mon rapport manuel/intellectuel au monde, ainsi que les différents rites de passage initiatiques que ces deux extrêmes exercent, se retrouve dans des formes organiques toujours presque. Presque belles, presque claires. Je tente de soulever la complexité de la compréhension et de relever l’aspect chaotique du regard que l’on porte sur un objet ou sur un individu. Par l’intégration de symboles et référents issus de la « culture populaire », le travail installatif présenté en contexte « d’installation artistique » tente de rire du regard sur l’art et à la fois d’y adhérer.









Personnal statement

It seems that everything seeks to be categorized, to be situated within a known framework. This effort to identify morphs into stereotyping (of self, of things), allowing us to be and to function. I am fascinated by the process leading to the vulgarisation of identities, and, as such, my practice borrows from the conscious and unconscious mechanisms of the phenomenon. By means of pre-established cultural vehicles and the relationship upheld by ideals of heritage and legacies, aesthetics bear something of their context and values; we can easily situate a history by means of its color, form and connotations.



My own oscillation between the manual and intellectual worlds, along with the various rites of passage they both require, can be found within the organic forms that remain almost. Almost pretty, almost complete. I try to reveal the complexity and difficulty of comprehension and expose the chaotic gaze which we throw upon objects and individuals. Bearing symbols and references to popular culture, the installation piece presented here in the context of artistic installation chuckles at the spectators’ gaze on art, all the while hoping to conform to its world.

Épisode Laurier

MICRO FOIRE D’ART À MTL MICRO ART FAIR
07.06.2018 - 10.06.2018  - 66, 108, 200, 237 Avenue Laurier O.

Exposition collective curated by

Mégane Voghell

Sarah Altmejd, 
Hubert Marsolais


Le contexte de ce travail spécifique est une exposition collective commisarié par Hubert Marsolais avec Simon Belleau & Elena Ailes, Jackson Slattery, Jérôme Nadeau, Jean-François Lauda, Pierre Dorion, Geneviève Grenier, Sabrina Jolicoeur, Geneviève Cadieux et Patrick Coutu. 
Média ; Momus, Le devoir , La Presse



Ci-haut : Travail installatif contenant verre, céramique, nourriture d’oiseaux, savon, bronze par Geneviève Grenier. Celui-ci inclus trois tirages photographiques fait par Sabrina Jolicoeur avec un appareil analogue grand format.

Installation work containing glass, ceramic, bird food, soap, bronze par Geneviève Grenier. This includes three photographic prints made by Sabrina Jolicoeur with a large format analog camera.




Relecture, 2018
Travail d’emprunt et de collage
Ci-dessus ; Photographies par Sabrina Jolicoeur 



 
Exposition collective au Eastern Bloc, Montréal, QC
Travail installatif en multiples tableaux par Geneviève Grenier
Photographie par Noémie Sylvestre. 
Collective exhibition at the Eastern Bloc, Montréal, QC
Installation work By Geneviève Grenier

Photography by Noémie Sylvestre.






Fémelot est une oeuvre basée sur Dormition of the Holy mother of God, gravure provenent des archives du Musée des Beaux-Arts de Montréal. Cette installation a été présentée dans la vitrine de la Promenade Atelier international d’éducation et d’art-thérapie Michel de la Chenelière du Musée des beaux-arts de Montréal (2200, rue Crescent). 

La présentation éducative "Œuvrer en famille" est organisée par le Département de l'éducation et de l'action culturelle du Musée en collaboration avec les Départements d'histoire de l'art et des arts plastiques de l'Université Concordia en 2015. 

Ce projet de tourne autour de l'œuvre intitulée Dormition of the Most Holy Mother of God, peinte au 16ième siècle. Le terme dormiton désigne, chez les chrétiens, une mort sans violence spécialement reliées aux saint/tes et pieux/ses , mais très particulièrement pour Marie, mère de Jésus .Cette même représentation a été très souvent répétée et revue par plusieurs graveurs et peintres de plusieurs épôques. Cette image m'as visuellement interpellée dans la structure et le symbole du lit mortuaire. J'ai voulu ré-interpréter cet objet porteur et sensible aux travers du travail des tissus et des teintures . 
 
Autour de la mort de ma Grand-mère, porteuse d'un époque qui a formé et réformé la réalité féminine et sa place dans la société. Un lit consituté de mouchoirs teints et cousus est surplombé d’une trinité contemporaire ; trois sphères en verre soufflé. L’une contient du lait, référence à la maternité. Une seconde de l’huile, pour les charges domestiques et une troisième avec le bas nylon, prison du corps et image du corps féminin. L'objet deviendra symbole de ce qu'il porte , une femme et ses batailles, ses restrictions, ses complexes et ses obligations domestiques. Illustrer à la fois le travail domestique, les restrictions vestimentaires, la maternité presque obligatoire .Cette installation se voit plus comme une cérémonie mortuaire de la trinité patriarcale, un enterrement des dogmes et des idéologies dans la naiveté de vouloir passer à une autre définition du genre, à autre chose. 

Œuvre : School of Moscow with Northern influences, Dormition of the Most Holy Mother of God, second half of 16th c., tempera and gold on panel, 70.1 x 60.5 cm, gift of Graham and Elise Nesbitt, 2002.114.  

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Fémelot is a work based on Dormition of the Holy mother of God, engraving from the archives of the Montreal Museum of Fine Arts. This installation was presented in the window of the Promenade Atelier international d'education et d'art therapy Michel de la Chenelière of the Montreal Museum of Fine Arts (2200, rue Crescent).

The educational presentation "Working as a Family" is organized by the Department of Education and Cultural Action of the Museum in collaboration with the Departments of Art History and Visual Arts of Concordia University in 2015.

This project revolves around the work entitled Dormition of the Most Holy Mother of God, painted in the 16th century. The term dormiton designates, among Christians, a death without violence especially linked to saints and pious people, but very particularly for Mary, mother of Jesus. This same representation has been very often repeated and reviewed by several engravers and painters of several eras. This image visually appealed to me in the structure and symbol of the death bed. I wanted to re-interpret this carrying and sensitive object through the work of fabrics and dyes.

Around the death of my Grandmother, bearer of an era which formed and reformed the feminine reality and its place in society. A bed made of dyed and sewn handkerchiefs is topped with a contemporary trinity; three blown glass spheres. One contains milk, a reference to motherhood. A second with oil, for domestic tasks and a third with nylon stockings, prison of the body and image of the female body. The object will become a symbol of what it carries, a woman and her battles, her restrictions, her complexes and her domestic obligations. Illustrating at the same time domestic work, clothing restrictions, almost obligatory motherhood. This installation is seen more as a mortuary ceremony of the patriarchal trinity, a burial of dogmas and ideologies in the naivety of wanting to move to another definition of gender , to something else.

Work: School of Moscow with Northern influences, Dormition of the Most Holy Mother of God, second half of 16th c., tempera and gold on panel, 70.1 x 60.5 cm, gift of Graham and Elise Nesbitt, 2002.114.



Exutoire de ma suzanne d’intérieur
Photographie, Vinyle, tissu, plâtre, céramique, verre, bouillon, objets trouvés
Exposition Rêverie -  Art mûr - 2019



Exutoire de ma Suzanne intérieure est une installation crée à Concordia en 2019. Cette installation en plusieurs temps est centrée autour du socle en bouillon de poulet.  Sur ce socle, une statuette de plâtre, en référence à la Saint-Anne-en-tierce ou Sainte-Anne trinitaire, figure hors-canonique créee par la tradition religieuse. Cette icône ne figurant pas dans les textes sacré est maintenant vénérée à travers le monde et est la sainte patronne du Québec. 
Dans une trinité mimiquant celle du masculin (le père, le fils, le saint esprit) la création du mythe de Sainte-Anne est non pas un témoignagne originellement concu pour témoigner d’une fascination féminine mais pour défendre une question patriarcale   Cette idée théologiquement faconnée tente de donner du sens à l’existence de frères et sœurs de Jésus. Pour évacuer la possibilité que sa propre mère Marie, aie eu d’autres enfants. Anne, grand-mère de Jésus, se serait mariée triplement. Cette création de la figure de Sainte-Anne sert à corriger des erreur théologiques et sert à déroger les rumeurs, unir la foi et maintenir l’idée que la Biblie es  inhérente. 

Cette installation mimique une trinité du domestique, une création masculine du rapport féminin à l’environnement. La fontaine de chocolat trafiquée à l’argile terracotta fait référence au mythe de la création de l’homme et agit comme le Saint-Esprit. La bouteille de savon: Marie et la statuette: Sainte-Anne, réfèrent à une trinité d’une Suzanne d’intérieure.  À travers cette proposition, je voulais exposer la trinité prolétaire des modèles féminins de mon côté maternel. Dans une certaine amertume du commun, l‘utilisation du bouillon de poulet dans un contexte installatif veux de le sortir de sa valeur vernaculaire et tente de le sublimer à travers son rôle de socle. 
Ce travail est une réflexion, une ôde à la Matante dans une perspective poético-politico-politique. Inspirée par L’image de Sainte-Anne comme étant la grand-mère, ici, les actrices de l’installation pose un regard beige sur la place des femmes dans l’environnement donnée par la société. La maison fait office de lieu de culte, temple, espace donnée par la religion catholique aux femmes d’autrefois. Outlet of my inner Suzanne is an installation created at Concordia in 2019. This installation in several stages is articulated around the chicken broth plinth. On this base, a plaster statuette, in reference to Saint-Anne-en-tierce or Saint-Anne Trinitaire, a non-canonical figure created by religious tradition. This icon, not appearing in sacred texts, is now venerated throughout the world and is the patron saint of Quebec.
In a trinity mimicking that of the masculine (the father, the son, the holy spirit) the creation of the myth of Saint Anne is not a testimony originally designed to testify to a feminine fascination but to defend a patriarchal question. This theologically shaped idea attempts to make sense of the existence of brothers and sisters of Jesus. To eliminate the possibility that his own mother Marie had other children. Anne, grandmother of Jesus, is said to have married three times. This creation of the figure of Saint Anne serves to correct theological errors and serves to dispel rumors, unite the faith and maintain the idea that the Bible is inherent.

This installation mimics a trinity of the domestic, a masculine creation of the feminine relationship with the environment. The chocolate fountain made with terracotta clay refers to the myth of the creation of man and acts like the Holy Spirit. The bottle of soap: Mary and the statuette: Sainte-Anne, refer to a trinity of an interior Suzanne. Through this proposal, I wanted to expose the proletarian trinity of female models on my maternal side. In a certain bitterness of the common, the use of chicken broth in an installation context wants to take it out of its vernacular value and attempts to sublimate it through its role as a base. This work is a reflection, an ode to Matante from a poetic-politico-political perspective. Inspired by the image of Sainte-Anne as the grandmother, here, the actresses of the installation take a beige look at the place of women in the environment given by society. The house serves as a place of worship, a temple, a space given by the Catholic religion to women of the past.













Glaskorper 

Travail collaboratif avec la photographe Nanne Springer et la danseuse contemporaine Miranda Chan. Recherche en cours autour de l’incarnation, du corps, de la relation immatérielle au vivant. Verre par Geneviève Grenier.

Collaborative work with photographer Nanne Springer and contemporary dancer Miranda Chan. Ongoing research around incarnation, the body, the immaterial relationship with the living.Glass by Geneviève Grenier.
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